CORAZÓN DE LEÓN

Ficha: Corazón de León (Argentina/2013; hablada en español) / Dirección: Marcos Carnevale / Guión: Marcos Carnevale (basado en una historia original de Betiana Blum y Marcos Carnevale) / Fotografía: Horacio Maira / Edición: Ariel Frajnd / Música: Emilio Kauderer / Elenco: Guillermo Francella, Julieta Díaz, Mauricio Dayub, Jorgelina Aruzzi, Nicolás Francella, Nora Cárpena, María Nela Sinisterra, Claudia Fontán / Distribuidora: Buena Vista / Duración: 100 minutos / Calificación: apta para todo público.

Sinopsis: Ivana Cornejo es una exitosa abogada dedicada a los litigios defamilia. Desde hace 3 años está divorciada de Diego Bisoni, también abogado y socio del estudio Cornejo/Bisoni. Tras la pérdida de su celular, Ivana recibe la llamada de alguien que lo encontró, con intenciones de devolvérselo. Es León Godoy, un arquitecto de gran renombre con una personalidad arrolladora: simpático, galante, carismático…y también divorciado. En la charla telefónica que mantienen se establece una empatía inquietante y ambos sienten un inmediato interés. Durante esa misma charla coordinan para encontrarse al día siguiente en una confitería y allí concretar la devolución del celular. Ivana es la primera en llegar yLeón llega unos minutos más tarde. Cuando lo ve queda perpleja, León es todo lo que ella percibió, pero mide 1,35 m. Es el hombre perfecto, pero…demasiado bajo. A partir de ese encuentro, Ivana buscará superar esos 45 cm que le faltan al hombre de su vida. Así se enfrentará a las convicciones de una sociedad implacable y a sus propios prejuicios, que exigen a los hombres el éxito económico, profesional y esos ineludibles 180 centímetros de altura.

Comentario: se trata de una comedia entretenida y con algunos aciertos, aunque también con altibajos. Por alguna razón, en el cine nacional abundan las comedias dramáticas, enfatizando el dramáticas, y que tienen los mismos ingredientes siempre: 1) grandes protagonistas principales, 2) grandes protagonistas secundarios, 3) una idea original interesante, 4) una música desastrosa, 5) algunas buenas escenas graciosas, 6) una trama que va cayendo más y más en el melodrama, 7) historias que se dejan sin resolver o muy mal resueltas, y, 8) en general, finales para el olvido. Películas que podrían haber sido más de lo que fueron cayeron en varios de estos errores. La gente espera buenas resoluciones, buenos finales, y, para que el film quede en el recuerdo y tenga éxito, la comedia (sea del tipo de humor que sea) tiene que primar sobre la parte dramática. “Corazón de León” roza en mucho de todo esto. Tiene a un actor principal maravilloso, como es Francella, con un registro actoral impresionante, y a una actriz tan hermosa como talentosa y llena de recursos, como es Díaz. A su vez, los actores secundarios son excelentes y están muy bien en sus papeles, como Mauricio Dayub, Jorgelina Aruzzi, Nora Cárpena y Claudia Fontán. Incluso Nicolás Francella, hijo del protagonista, cumple muy bien con su rol. Después, la película, como se mencionó, va pasando de a poco de comedia a drama y deja bastantes cosas sin resolver o mal resueltas. Hace recordar a un capítulo típico de una telecomedia dramática de la tv argentina. Por otra parte, su historia original, un canto en contra de la discriminación, se traiciona a si misma al apelar al recurso fácil de hacer de su personaje principal (eje de la discriminación), un exitosísimo arquitecto y millonario… La música es mala, y la resolución final, floja. Aún así, ver a estos actores es un placer y es lo que salva al film.

Opinión: BUENA

VINO PARA ROBAR

Ficha: Título original: Vino para robar / Año: 2013 / Duración: 105 min. / País: Argentina / Director: Ariel Winograd / Guión: Adrián Garelik / Música: Darío Eskenazi / Fotografía: Ricardo De Angelis / Reparto: Valeria Bertuccelli, Daniel Hendler, Pablo Rago, Martín Piroyansky, Juan Leyrado, Alan Sabbagh, Mario Alarcón, Luis Sagasti / Productora: Tresplanos Cine - Patagonik - Cinear - Antarctica Films / Género: Comedia - Robos & Atracos / Web Oficial: http://www.vinopararobar.com/

Sinopsis: Sebastián y Natalia son dos ladrones profesionales que se conocieron mientras intentaban, cada uno por su cuenta, robar una importante pieza de arte de un museo. Ahora tendrán que trabajar juntos en contra de su voluntad, para llevar adelante un robo mucho más complejo. Tienen que sacar de la bóveda de un banco mendocino, una valiosa y única botella de Malbec de mediados del siglo XIX. No pueden fallar, ya que su vida depende de ello. (fuente: FILMAFFINITY)

Comentario: La película entretiene y cumple con su propósito, aunque hay un par de cosas para decir. Se trata de una película de robo, con idas y vueltas en la trama argumental, realizada en tono de comedia. Sucede que es un género muy especial, muy transitado en cine y televisión, y por eso hay que ser original si se lo encara. Entre sus virtudes se destacan los diálogos, ágiles, y un buen sentido del ritmo. Se destacan también las actuaciones de Mario Alarcón y Martín Piroyansky, (están muy bien los dos). Después… si bien la película es entretenida, no sorprende mucho y no va más allá que un capítulo de alguna serie extranjera de ladrones o espías, ni en desarrollo ni en idea original. Valeria Bertuccelli, está bien…pero hace lo de siempre, hace de Valeria Bertuccelli… Y Daniel Hendler…como siempre, hace de Daniel Hendler… (Falta Diego Peretti haciendo de Diego Peretti, y cartón lleno). Y para peor, Hendler no cambia un solo gesto en todo el film… Pablo Rago no suma nada a la propuesta; hace de “investigador” policial, pero no le da el perfil ni por asomo, y el papel le queda casi tan grande como la ropa que le pusieron. Capítulo aparte, la música… por momentos ponen la típica música de fondo del ladrón en acción, que se escucha en cuanta película existe del género, y por otros ponen una música de fondo totalmente desubicada y fuera de lugar. En definitiva, el ritmo, algunos diálogos, rápidos y graciosos, y las actuaciones de Alarcón y Piroyansky salvan la película y la dejan a flote.

Opinión: BUENA

EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG

Ficha: Película: El hobbit: La desolación de Smaug.Título original: The hobbit: The desolation of Smaug. AKA: El hobbit: Parte 2. Dirección: Peter Jackson. Países: USA y Nueva Zelanda. Año: 2013. Duración: 161 min. Género: Aventuras, fantástico. Interpretación: Martin Freeman (Bilbo Bolsón), Ian McKellen  (Gandalf el Gris), Richard Armitage (Thorin, Escudo de Roble),  Cate Blanchett (Galadriel), Andy Serkis (Gollum), Luke Evans (Bardo), Lee Pace (Thranduil), Orlando Bloom (Legolas),  Evangeline Lilly (Tauriel), Stephen Fry (gobernador de Ciudad del Lago), Mikael Persbrandt (Beorn). Guion: Peter Jackson, Guillermo del Toro, Philippa Boyens y Fran Walsh; basado en el libro de J.R.R. Tolkien. Producción: Peter Jackson, Carolynne Cunningham, Zane Weiner y Fran Walsh. Música: Howard Shore. Fotografía: Andrew Lesnie. Montaje: Jabez Olssen. Diseño de producción: Dan Hennah. Vestuario: Bob Buck, Ann Maskrey y Richard Taylor.

Sinopsis: En “El hobbit: La desolación de Smaug” continúa la aventura de Bilbo Bolsón, junto a Gandalf y trece enanos, guiados por Thorin Escudo de Roble, en una misión épica para reivindicar la Montaña Solitaria y el reino perdido de los enanos, Erebor. Tras sobrevivir al inicio de su inesperado viaje, la Compañía se dirige al Este. A lo largo de su viaje se encuentran con el cambia-pieles Beorn y un enjambre de arañas gigantes en el traicionero Bosque Negro. Tras escapar de los peligrosos elfos silvanos, los enanos se dirigen a Ciudad del Lago y posteriormente a la mismísima Montaña Solitaria. Allí se enfrentarán al mayor peligro de todos, la criatura más aterradora: el dragón Smaug.

Comentario: La obra de Peter Jackson va a causar sensaciones encontradas, y públicos con ideas muy diferentes sobre el resultado final. Quienes esperen una versión fiel del libro, van a salir decepcionados y acaso con algún enojo. Es que, como se sabe, el director decidió no hacer una, ni dos, sino tres películas largas a partir de un libro de 310 páginas. Y lo hace rellenando a veces de más, con partes de apéndices de otros libros de Tolkien y por momentos, con diálogos, personajes y escenas salidas de su imaginación y la de los otros guionistas. El margen con el que juegan es muy fino… por un lado los amantes de la saga deseamos ver más de la Tierra Media, pero no queremos ver algo que vaya mucho más allá de ese mundo y los códigos que se manejan. Quizás hubiera sido mejor hacer una buena película o dos, fieles a la obra original, y luego encarar esa maravilla que es “El Silmarillion”. De todas formas, esta segunda parte es un buen producto, y los lectores de la saga pueden disfrutarla siempre que permitan un poco de libertad en el traslado final a la pantalla.

 La imagen, en 3D y en HFR, es excelente, y uno se siente siempre como si estuviera a unos pasos de los personajes. Las escenas de acción son sorprendentes y entretenidas (acaso exceptuando la secuencia final, por su larga duración), y se destaca la increíble huida de la prisión de los elfos en los toneles. Las actuaciones están bien; y siempre es un placer ver a Ian McKellen, uno de los mejores actores del mundo. Lo criticable es, sin duda, el hecho de que le sobran 20 minutos, sobre todo en algunas charlas estiradas hasta el agotamiento y la mencionada escena de acción de su parte final, que no es tan divertida o interesante como para durar tanto. Por otra parte, si uno se pone minucioso en cuanto a la historia global que se está contando y que continúa con la saga de “El señor de los anillos”, puede pensar que las partes agregadas atentan contra la exacta continuidad lógica de la trama. Más allá de esto y en definitiva, es muy buen producto, entretiene y cumple.

Opinión: MUY BUENA

THOR: UN MUNDO OSCURO

Ficha: Título original: Thor: The dark world. AKA: Thor 2. Dirección: Alan Taylor. País: USA. Año: 2013. Duración: 113 min. Género: Acción, fantástico. Interpretación: Chris Hemsworth (Thor), Natalie Portman (Jane Foster), Tom Hiddleston (Loki), Anthony Hopkins (Odin), Jaimie Alexander  (Sif), Idris Elba (Heimdall), Stellan Skarsgård (Dr. Erik Selving), Rene Russo (Frigga), Christopher Eccleston (Malekith), Zachary Levi (Fandral), Adewale Akinnuoye-Agbaje (Algrim / Kurse), Kat Dennings (Darcy), Clive Russell (Tyr). Guion: Christopher Yost, Christopher Markus y Stephen McFeely, basado en un argumento de Don Payne y Robert Rodat, a partir del cómic de Stan Lee, Larry Lieber y Jack Kirby. Producción: Kevin Feige. Música: Brian Tyler. Fotografía: Kramer Morgenthau. Montaje: Dan Lebental y Wyatt Smith. Diseño de producción: Charles Wood. Vestuario: Wendy Partridge.

Sinopsis: Thor lucha por restablecer el orden en todo el cosmos, pero una antigua raza liderada por el vengativo Malekith regresa para volver a sumir al universo en la oscuridad. Thor se enfrenta a un enemigo al que ni siquiera Odín y Asgard pueden hacer frente, y deberá embarcarse en su viaje más peligroso a la vez que personal. En este viaje se reunirá con Jane Foster y se verá obligado a sacrificarlo todo para salvar el mundo.

Comentario: Una lástima que se desperdiciara la oportunidad de hacer una buena segunda parte de esta historia. La primera, dirigida por Kenneth Branagh, había sido buena, pero aquí Alan Taylor tira todo por la borda. La trama de “Thor: The dark world” es conocida, muy similar a las del tipo de “Furia de Titanes” y obras similares, donde un Dios mitológico necesita la ayuda de su hijo para terminar con un enemigo del pasado. No solo la trama es endeble, los diálogos son muy malos y la dirección de actores es pésima. Y esto es imperdonable teniendo a uno de los mejores actores del mundo en el elenco. Si bien se trata de la versión fílmica de un cómic, el público que va a ver la historia acuerda con los creadores del film en que va a creer el relato, y por eso mismo, la obra debe realizarse con seriedad. Aquí, no hay ningún trabajo con los personajes y no hay elaboración de ningún tipo de drama. Se toman en broma la historia y los personajes, al punto que se va pareciendo todo más a una mala parodia llena de chistes malos. Simplemente tomaron los personajes presentados en el film anterior y los utilizaron en una nueva historia endeble, sumando uno o dos personajes nuevos de poco interés. Todas las escenas de Natalie Potman y su amiga Kat Dennings son infantiles (léase estúpidas) y sobran totalmente. Incluso lo que se supone debe ser uno de los puntos fuertes del film, las escenas de acción, no están bien logradas. Las batallas iniciales con las que comienza la historia están mal coordinadas y realizadas sin mucho trabajo (horror en escenas de batallas: se ve como algunos golpes van al aire y sin embargo los atacados vuelan, golpeados). Acaso se salven de este fallido el vestuario y algunos efectos especiales. En definitiva, un film que subestima al público, y que no se toma en serio la historia que intenta contar.

Opinión: MALA

GRAVITY

Ficha: Dirección: Alfonso Cuarón. País: USA. Año: 2013. Duración: 90 min. Género: Ciencia-ficción. Interpretación: Sandra Bullock (Dra. Ryan Stone), George Clooney (Matt Kowalsky). Guion: Alfonso Cuarón y Jonás Cuarón. Producción: Alfonso Cuarón y David Heyman. Música: Steven Price. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Montaje: Mark Sanger y Alfonso Cuarón. Diseño de producción: Andy Nicholson. Vestuario: Jany Temime.

Sinopsis: En “Gravity”, Sandra Bullock interpreta a la doctora Ryan Stone, una brillante ingeniera especializada en Medicina que está en su primera misión en un transbordador, con el veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney) al mando de su último vuelo antes de retirarse. Pero en un paseo espacial, aparentemente de rutina, se desencadena el desastre. El transbordador queda destruido, dejando a Stone y Kowalsky completamente solos, unidos el uno al otro y dando vueltas en la oscuridad.

Comentario: La propuesta inicial del último film de Alfonso Cuarón (Y tu mamá también, Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Niños del hombre) es simple. Dos astronautas, en una misión espacial, sufren un accidente que los deja a la deriva. Sin embargo, esta película quizás sea de lo mejor que se vió en el año. Posee muy buen ritmo y hace que el espectador se mantenga expectante desde el principio hasta el final. El tema de fondo es básico y también uno de los más fuertes: el levantarse después de las malas experiencias, el volver al ruedo después de una mala jugada del destino. Y el film muestra su mensaje desde un contexto excepcional y muy bien logrado: desde su contexto lejano, es creíble gracias a las buenas actuaciones y los increíbles efectos de sonido y visuales (las imágenes de la tierra desde el espacio son maravillosas). Clooney y Bullock están muy bien en sus papeles, y Ed Harris le pone voz al contacto en Houston. 

CABE MENCIONAR: ESTA PELÍCULA ES PARA VER EN EL CINE Y EN 3D. Solo así se aprecia lo que quiso mostrar el director, ver un amanecer durante una caminata espacial, o las auroras boreales en toda su magnitud. El 3D está increíblemente bien utilizado (últimamente se ha llevado a este formato cualquier película, con muy flojos resultados). Aquí nos sentimos flotando en el silencio del espacio exterior, o sin gravedad dentro de las estaciones, o esquivando fragmentos en medio de una coalición de basura espacial a toda velocidad contra la única nave que puede volver a la tierra. No se la pierdan.

Opinión: EXCELENTE

WAKOLDA

Ficha: Película: Wakolda. Dirección y guion: Lucía Puenzo. Países: Argentina, Francia, España y Noruega. Año: 2013. Duración: 93 min. Género: Drama. Interpretación: Àlex Brendemühl (Mengele), Alan Daicz (Tomás), Natalia Oreiro (Eva), Florencia Bado (Lilith), Diego Peretti (Enzo), Guillermo Pfening (Klaus), Elena Roger (Nora). Guion: Lucía Puenzo; basado en su novela. Producción: Lucía Puenzo. Música: Daniel Tarrab, Andrés Goldstein y Laura Zisman. Fotografía: Nicolás Puenzo. Montaje: Hugo Primero. Diseño de producción: Marcelo Chaves. Distribuidora: Wanda Visión.

Sinopsis: Año 1960, un médico alemán conoce a una familia argentina en una desolada región de la Patagonia y se suma a ellos, en caravana, por la ruta del desierto. Esta familia modelo aviva su obsesión por la pureza y la perfección, en particular Lilith, una niña de 12 años, demasiado pequeña para su edad. Desconociendo la verdadera identidad del alemán, al llegar a Bariloche, Enzo (Diego Peretti) y Eva (Natalia Oreiro) lo aceptan como primer huésped de la hostería que poseen, a orillas del lago Nahuel Huapi. Aunque el extraño personaje les genera a los anfitriones cierto recelo, progresivamente se verán seducidos por sus modos, su distinción, su saber científico y sus ofertas de dinero… hasta que descubren que están viviendo con uno de los criminales más grandes de la historia. (Fuente: labutaca.net)

Comentario: Con una historia simple pero fuerte, Lucía Puenzo ofrece un muy interesante film, ambientado en la Patagonia argentina de 1960. Conviene no contar mucho sobre la historia, que posee contexto, personajes y una trama ideal para un buen film: una pareja que se va a hacer cargo de un hospedaje en las montañas, un paisaje natural increíble, un pueblo con muchos secretos, y un inquilino misterioso. El film es entretenido, intrigante y mantiene al espectador interesado hasta el final, que es muy bueno. Las actuaciones son correctas en general, destacándose Natalia Oreiro (lástima no verla más seguido en papeles de este nivel). Àlex Brendemühl y Elena Roger están muy bien en sus roles. Por su parte Peretti, aunque es buen actor, apenas cumple… repite el mismo rol de hombre compungido que hace en muchos papeles (si eso es lo que le pide su personaje, el tema es que lo interpreta del mismo modo, exacto, que a uno del 2013). 

La ambientación de la época se logra, aunque escatimando demasiado en escenarios (para ahorrar costos), lo que se ve en abundancia de tomas restringidas que no muestran mucho ambiente, salvo en escenarios naturales. El uso del paisaje sí está muy bien utilizado, al igual que la música. Por otra parte, se vuelve a recurrir al ya recontra-gastado método narrativo de mostrar la historia “con los ojos del niño que recuerda”, muy usado en el cine argentino, tal como “los recuerdos del personaje cuando era adolescente”…… o peor, “el hombre viejo que recuerda”…….. Pero más allá de estos detalles, que no empañan el resultado final de la obra, la propuesta de Puenzo es una muy buena opción para ver en el cine. Y propone además una mirada hacia un lugar oscuro de nuestro pasado, donde nuestro país cobijó a algunos de los peores asesinos que hayan existido.

Opinión: MUY BUENA

LA CACERÍA

Ficha: Película: La cacería (The hunt). Título original: Jagten. Dirección: Thomas Vinterberg. País: Dinamarca. Año: 2012. Duración: 111 min. Género: Drama. Interpretación: Mads Mikkelsen (Lucas), Thomas Bo Larsen (Theo), Annika Wedderkopp (Klara), Lasse Fogelstrøm (Marcus), Susse Wold (Grethe), Alexandra Rapaport (Nadja). Guion: Tobias Lindholm y Thomas Vinterberg. Producción: Morten Kaufmann y Sisse Graum Jørgensen. Música: Nikolaj Egelund. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Montaje: Janus Billeskov Jansen y Anne Østerud. Diseño de producción: Torben Stig Nielsen. Vestuario: Mannon Rasmussen.

Comentario: Muy buena película de Thomas Vinterberg. Mikkelsen interpreta a Lucas, un ayudante en una guardería de niños en un pueblo de Dinamarca. Luego de un divorcio difícil, está a punto de reconstruir su relación con su hijo adolescente. De pronto, se dispersa un comentario, un rumor terrible. Y toda su vida se vuelve un verdadero infierno. La pequeña comunidad comienza a aislarlo, acusarlo y atacarlo. Su versión de los hechos se enfrentará al juicio realizado por la sociedad. Y se ponen a prueba lealtades, amistades y posiciones.

La película está muy bien filmada y muy bien actuada en general. Mads Mikkelsen ganó el premio al Mejor Actor en el Festival de Cannes 2012 por este rol; aunque quizás su buen desempeño esté más bien guiado y potenciado por una correcta estructura, manejo de climas y un muy buen guión. Sin mostrarse indulgente con el crimen que aquí se sospecha, el film es un verdadero estudio sobre el prejuicio y la histeria colectiva, así como una invitación a la reflexión antes de tomar posturas apresuradas. Una película fuerte, inquietante, que mantiene al espectador en vilo del principio al fin.

Opinión: MUY BUENA

EL HOMBRE DEL TAI CHI

Ficha: Título original: Man of Tai Chi

País: USA, China

Productora: Universal Pictures, Village Roadshow, China Film Group

Director: Keanu Reeves

Guión: Keanu Reeves

Reparto: Tiger Chen, Keanu Reeves, Iwo Uwais

Comentario: La historia gira en torno a un hombre que para salvar el templo de su maestro, donde practica Tai Chi, se inserta en un mundo de peleas clandestinas dirigido por un poderoso magnate…. Y nada más.

Este argumento de las peleas clandestinas en Oriente, donde hay un chico bueno peleando por una causa personal ya es aburrido. La historia es casi inexistente, básica. Está filmada en China y con la totalidad de actores chinos exceptuando al director del film, Keanu Reeves, quien encarna también al malo de turno. Es decir, un producto realizado en su totalidad en Oriente para ganar en el mercado oriental (donde hay buena plata) y con una estrella yanqui para ganar en Norteamérica. Es seguro que en Occidente, la mezcla de artes marciales (se muestra en la película no solo peleas tipo clandestinas sino también ambientadas en un torneo nacional chino), más un ambiente casi futurista, más la presencia de Keanu Reeves en todo este escenario con su mística oriental, va a llevar mucha gente al cine. Pero la verdad, es que el film aburre a morir, y no muestra una sola idea o elemento interesante. Ni siquiera lo es la chica policía que trata de desenmascarar al malvado organizador del show. En cuanto a Reeves, solo balbucea dos o tres palabras en toda la película, y se mueve como si estuviera enyesado desde el cuello para abajo. Es decir… un desastre solo recomendable para los amantes de las artes marciales.

Opinión: MALA

METEGOL

Ficha: Titulo Original: Metegol

Origen: España, Argentina.

Director: Juan José Campanella.

Guion: Eduardo Sacheri, Juan José Campanella, Roberto Fontanarrosa, Axel Kuschevatzky.

Música: Emilio Kauderer.

Productor: Axel Kuschevatzky, Juan José Campanella.

Voces Originales: Pablo Rago, Miguel Ángel Rodríguez, Fabián Gianola, Horacio Fontova, David Masajnik, Sebastián Mogordoy.

Género: Familiar, Deportes, Aventuras, Animación.

Duracion: 106 Minutos

Calificacion: Apta Todo Público

Sinopsis: Amadeo vive en un pueblo pequeño y anónimo. Trabaja en un bar, juega al metegol mejor que nadie y está enamorado de Laura, aunque ella no lo sabe. Su rutina sencilla se desmorona cuando un joven del pueblo convertido en el mejor futbolista del mundo, vuelve dispuesto a vengarse de la única derrota que sufrió en su vida. Con el metegol, el bar y hasta su alma destruidas, Amadeo descubre algo mágico: los jugadores de su querido metegol hablan ¡y mucho! Juntos se embarcarán en un viaje lleno de aventuras para salvar a Laura y al pueblo y en el camino convertirse en un verdadero equipo. Pero, ¿hay en el fútbol lugar para los milagros?

Comentario: Muy buen emprendimiento de Juan José Campanella. Junto a Axel Kuschevatzky, se están transformando en una dupla muy interesante, capaz de generar muy buenos films. Se trata de un muy buen director y un muy buen productor; pero principalmente son dos tipos que han visto muchas películas y saben lo que despierta interés y cómo lograr un buen producto final. Incursionando en la animación, Campanella sale muy airoso con esta película divertida y entretenida. El argumento tiene los ejes que el director ya mostró en otras obras anteriores, como el barrio, el bar, el fútbol y los personajes locales que enmarcaron la infancia de muchos argentinos. Mucho de eso hay en los cuentos del genial Roberto Fontanarrosa, uno de los cuales, “Memorias de un wing derecho” inspira el film.

Como muchos han dicho, es una bisagra en lo que respecta a producción animada nacional, y ojalá sea el primero de muchos buenos films de este tipo. Con respecto al producto final, tiene una muy buena calidad, sin nada que envidiarle a las producciones extranjeras. Un dato interesante es que Sergio Pablos, productor ejecutivo y creador de la historia de Despicable Me (Mi villano favorito), estuvo a cargo de la supervisión de animación y producción de la película. El tema de las voces… es sin embargo complicado. Campanella mencionó que no deseaba que existiera una distancia entre quien presta la voz y el personaje animado. Lo que sucede es que esa separación entre el reconocimiento de quien presta la voz y su personaje, es lo que hace que uno sintetice en una sola unidad ambos componentes. Si bien un niño no sentirá esto para nada, un adulto frecuente de este tipo de films, o un asistente frecuente a las salas, no dejará de imaginarse a Pablo Rago frente a un micrófono cada vez que habla El Capi. Quizás influye el modo de hablar o el que Rago use su misma voz sin cambiar un tono. También sucede esto con el personaje de Fontova, pero como lo suyo es la parte más cómica, y sus líneas se tratan de pequeñas acotaciones más que nada, no se siente tanto. Esto no se nota en los otros personajes cuyas voces no se reconocen o tienen algún cambio en su tono. Lo mejor, a mi parecer, es cuando uno se olvida de quien presta la voz y disfruta del personaje, aún sabiendo quien está en la cabina con el micrófono (un muy buen ejemplo es el de Billy Crystal y su"Mike" Wazowski). Sin embargo, aquí el tema del doblaje “en argentino” a un producto argentino, es un adelanto en comparación a lo que vimos antes en “Los Increíbles”, donde se doblaba “en argentino” a un contexto ultrayanqui. Y ese resultado fue espantoso… Es un tema que merece cuidado, ya que hace poco se anunció una ley por la que muchos productos extranjeros que se exhiben en canales del país deberán ser doblados por profesionales locales. Y ya hoy, por ejemplo, podemos ver documentales doblados con resultados dispares. Hace poco ví en un canal local un documental sobre biólogos y ambientalistas que protegen a los elefantes de una gran reserva en Sudáfrica. Y así podíamos ver guías africanos que hablaban y se expresaban como salidos de Floresta…

Volviendo a Metegol, y más allá de todo esto, el producto final es muy bueno. Los más chicos la disfrutarán mucho, y los grandes la pasarán muy bien también.

Opinión: MUY BUENA

-Breve alerta de Spoiler-

Hay un momento en la trama en la que se nota que quizás el argumento iba en un sentido y luego se cambió de opinión. Cuando El Grosso le muestra a Laura su casa, se ufana también de un laboratorio donde se hacen… ¿experimentos genéticos?... y donde, luego de una explosión, los pequeños personajes terminan cubiertos bajo una extraña nube de gas. Uno podría especular que inicialmente se había pensado, en el argumento, que esto afectaría a los jugadores de plomo y que los volvería de tamaño natural, siendo ellos mismos quienes jugarían el partido final contra el equipo del Grosso. Como sea, el que se haya optado por la opción que vemos finalmente fue la elección correcta, ya que es mucho más divertida.

ANTES DEL ANOCHECER



Ficha: Película: Antes del anochecer. Título original: Before midnight. Dirección: Richard Linklater. País: USA. Año: 2013. Duración: 108 min. Género: Drama. Interpretación: Ethan Hawke (Jesse), Julie Delpy (Celine). Guion: Richard Linklater, Julie Delpy y Ethan Hawke; basado en los personajes creados por Richard Linklater y Kim Krizan. Producción: Richard Linklater, Sara Woodhatch y Christos V. Konstantakopoulos. Música: Graham Reynolds. Fotografía: Christos Voudouris. Montaje: Sandra Adair. Vestuario: Vasileia Rozana.

Sinopsis: Richard Linklater dirige “Antes del anochecer (Before midnight)”, en ella de nuevo nos encontraremos con Jesse y Celine, esta vez en Grecia, y descubriremos qué es lo que ha sucedido en sus vidas durante todos estos años.

Comentario: En esta última entrega de la trilogía, volvemos a encontrar a Jesse y Celine nueve años después, ya siendo pareja, viviendo en Francia y con dos hermosas gemelas. Un escritor los invitó a pasar unos días en su casa del Peloponeso, y allí transcurre este momento de sus vidas. Por unos días, también estuvo veraneando con ellos el hijo del anterior matrimonio de Jesse, quien al regresar con su madre a USA desencadena en Jesse una gran angustia, que es el motor de la trama de la película. Jesse extraña a su hijo, y no sabe como planteárselo a Celine, que no quiere abandonar Francia para vivir en USA por ningún motivo. Pasan por una situación donde nadie tiene la culpa y todos tienen razón. Con este planteo de fondo, seguimos a la pareja compartiendo momentos con sus amigos griegos, en tardes de charlas sobre literatura, el amor, la vida. Luego, gran parte del film transcurre en un hotel al que van a pasar la noche. Y allí, se desencadena una discusión con miedos, dudas y muchas cosas que se habían reprimido. Para saber como sigue, deben ver el film.

El planteo en esta oportunidad es realista, más oscuro y por momentos muy pesimista… pero ellos están donde podían estar tantos años después. Y están los elementos básicos de esta hermosa saga: ellos, ya cuarentones, en charlas íntimas y sus paseos por hermosos lugares, aunque esta vez con tomas que no muestran mucho la belleza del país griego. Él está excelente, en el sentido de la actuación de Hawke y en el desarrollo de su personaje. Ella… es más complicado de definir. La actuación de Delpy también es excelente, pero el guión nos muestra a una Celine que a mi parecer, por momentos, en sus diálogos (no cómo lo dice sino lo que dice) no suena tan realista, tan creíble, como Jesse. En definitiva, si la primera película era muy buena y la segunda fue excelente, esta es también muy buena y presenta un final de trilogía digno.

Opinión: MUY BUENA

EL HOMBRE DE ACERO

Ficha: Película 3D: El Hombre de Acero. Título original: Man of Steel. Dirección: Zack Snyder. País: USA. Año: 2013. Género: Acción, fantástico. Interpretación: Henry Cavill (Clark Kent / Superman), Russell Crowe (Jor-El), Amy Adams (Lois Lane), Diane Lane (Martha Kent), Kevin Costner (Jonathan Kent), Laurence Fishburne (Perry White), Michael Shannon (general Zod), Antje Traue (Faora), Christopher Meloni (coronel Hardy), Harry Lennix (general Swanwick), Ayelet Zurer (Lara Lor-Van), Richard Schiff (Dr. Emil Hamilton), Jadin Gould (Lana Lang). Guion: David S. Goyer; basado en los personajes creados por Joe Shuster y Jerry Siegel. Producción: Christopher Nolan, Charles Roven, Deborah Snyder y Emma Thomas. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Amir Mokri. Montaje: David Brenner. Diseño de producción: Alex McDowell. Vestuario: James Acheson y Michael Wilkinson.

Sinopsis: En “El Hombre de Acero”, un niño descubre que posee poderes extraordinarios y que no pertenece a este planeta. Durante su juventud, viaja para descubrir sus orígenes y las razones por las cuales ha sido enviado a la Tierra. Pero el héroe que lleva dentro tiene que emerger para que pueda salvar al mundo de la aniquilación y convertirse en el símbolo de esperanza para la humanidad. Frente al superhéroe están los otros dos supervivientes del planeta Krypton: el malvado general Zod y su socia Faora.

Comentario: este film se entiende mejor viendo todo en retrospectiva. En 2006 Bryan Singer, un gran director (creador de la obra de arte “Los sospechosos de siempre”), intentó reflotar el gran personaje de la DC Comics en “Superman Returns”. Hacía veinte años que el hombre de acero no era llevado al cine. La verdad es que el resultado no fue muy bueno. Personalmente, creo que ese film tenía cosas buenas, pero eran más las malas, y me extraña mucho que no se hayan dado cuenta antes de lanzarla a los cines. Estuvo mal que Kevin Spacey, un gran actor, compusiera un Lex Luthor ridículo, infantil. Mal la trama en general, poco interesante. Mal que no peleara en ningún momento con nadie, y aburridísimo todo lo referente a su historia con Luisa Lane y el hijo de ambos. En contraposición, Brandon Routh daba un muy buen Súperman, estaba bien dirigida, con buenos efectos e iluminación, y muchas escenas estaban muy bien logradas. Quizás todo hubiera podido corregirse para una secuela. Pero a Singer no le dieron otra oportunidad y otro tomó la posta. La gente quería un Hombre de Acero más acorde a estos tiempos, cercano al Batman de Christopher Nolan: realista, oscuro, con una buena trama, y con enemigos terribles que inquieten a la platea. Pasó algo similar con las películas de Hulk. La de Ang Lee estaba bien realizada en general, pero no tenía una trama oscura ni un enemigo que le haga frente al personaje principal. Y eso se hizo en la segunda película de Hulk, con otro director: con muchísima más acción y un enfrentamiento con un rival a medida. En Man of Steel, Zack Snyder (director de la increíble “300”) cumple con lo que pide el público y los productores: acción y más acción; golpes y más golpes; una trama más realista y oscura, un ritmo y ambiente rápido semejante a una sucesión de trailers, y un villano a medida con quien intercambiar golpes destruyendo todo alrededor.

Reunió grandes actores junto a un Henry Cavill que aunque tiene un gran cuerpo y es carilindo, no es ni un gran actor ni posee gran presencia. La película es buena en general, entretiene y cumple. Lo que no me gustó, para nada, y le saca un par de puntos al film, es que en esa necesidad/intención de generar ritmo, la mayoría de las escenas están filmadas con cámara en movimiento: es decir, la cámara tiembla, se mueve de un lado a otro… algunos ni se habrán dado cuenta, a mí me resultó muy molesto. El eje principal de la historia no se aleja demasiado de aquella presentada en “Súperman” de 1978, dirigida por Richard Donner, donde se presentaba toda la trama de Kriptón y al general Zod y sus secuaces, enviados a la zona fantasma (que fueron los protagonistas de “Súperman II”, filmada al mismo tiempo). En esta versión de Snyder, se le agregan un par de cosas, actualidad, y golpes. Por momentos, se hace un poco larga hacia el final, y algunas resoluciones son un tanto improvisadas… Pero, en conclusión, es un Súperman de estos tiempos, el que hacía falta para revivir el personaje. Veremos que sucede con la segunda parte, que ya está en marcha.

Opinión: BUENA

MALA

Ficha:

Título original: Mala

Año: 2013

Duración: 93 min.

País: Argentina

Director: Adrián Caetano

Guión: Adrián Caetano, Bruno Hernandez, Luciana Piantanida (Historia: Adrián Caetano)

Música: Alejandro Giacomán

Fotografía: Diego Poleri

Reparto: Florencia Raggi, Rafael Ferro, Ana Celentano, Juana Viale, Brenda Gandini, María Duplaa, Julián Krakov, Liz Solari, Arturo Goetz, Daniel Valenzuela, Susana Pampín, Laura Espínola, Rubén Noceda, Rogelio Gracia, Erasmo Olivera, Alejandro Ciancio

Productora: Coproducción Argentina-México-Francia; INCAA / La Expresión del Deseo / Animal de Luz Films / Magma Cine / La Ferme! Productions

Género: Thriller. Terror | Crimen. Policíaco

 

Sinopsis: Rosario, una justiciera a sueldo, mata a hombres que maltratan o abusan de mujeres. Metódica y perfeccionista en sus tareas, sus comienzos fueron brutales y torpes, cargados de un odio cuyo secreto se esconde en un caleidoscopio del que jamás se separa. Tras ser apresada, Rosario acepta una nueva misión, pero el plan que parecía simple se torna cada vez más enfermo, llevándola a perder el equilibrio en un laberinto de pasión que la desborda completamente.

Comentario: Esta película le hace honor a su título en todo sentido. Es tan mala que uno no sabe por dónde empezar a criticarla. No solo está mal filmada y peor actuada, sino que peca de ser aburrida y nada interesante. No hay escena que no dé vergüenza ajena. Carece de ritmo, buena música, dirección de actores, iluminación… Hoy día, que estamos acostumbrados a ver tantos buenos programas de suspenso y acción en cable, con tramas originales y atrapantes, no puede justificarse gastar dinero en hacer una basura como esta.

Opinión: MALA. (Ni se les ocurra)

EL GRAN GATSBY

Ficha: Título original: The Great Gatsby

Año: 2013

Duración: 143 min.

País: Australia

Director: Baz Luhrmann

Guión: Baz Luhrmann, Craig Pearce (Novela: F. Scott Fitzgerald)

Música: Craig Armstrong

Fotografía: Simon Duggan

Reparto: Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan, Joel Edgerton, Isla Fisher, Elizabeth Debicki, Amitabh Bachchan, Jason Clarke, Adelaide Clemens, Max Cullen, Steve Bisley, Richard Carter, Vince Colosimo, Brendan Maclean, Kate Mulvany, Callan McAuliffe, Jack Thompson

Productora: Coproducción Australia-EEUU; Warner Bros. Pictures / Bazmark Films / Red Wagon Productions

Género: Drama. Romance | Años 20

Web Oficial: http://www.elgrangatsby-es.com

Sinopsis: Adaptación de la novela homónima de F. Scott Fitzgerald. En la alta sociedad norteamericana, llama la atención la presencia de Gatsby, un hombre misterioso e inmensamente rico, al que todos consideran un advenedizo, lo que no impide que acudan a sus fastuosas fiestas. Gatsby vive obsesionado con la idea de recuperar al amor de su juventud. (FILMAFFINITY)

Comentario: Los críticos de cine muy puntillosos de los detalles (en adaptación, actuación, dirección) podrían darse un gran gusto comentando esta película. Es que, tal vez, tiene tantas cosas interesantes como olvidables. Lo que sí es seguro es que “El gran Gatsby” es un Baz Luhrmann auténtico. ¿Cuál es el tema de fondo de la historia? La pérdida, lo perdido en el pasado y la posibilidad, si es que existe (ahí está el quid más importante), de recuperarlo. El hombre que tuvo una oportunidad de seguir un camino y el destino lo alejó de una felicidad que estaba en sus manos; y una posible nueva oportunidad en condiciones más favorables, intentando recuperar lo perdido a fuerza de su capacidad y voluntad. Es una trama ya vista en otras obras (la más recordada es sin dudas la fabulosa “El conde de Montecristo”, aunque allí el pulso de la trama estaba centrado en la venganza). Aquí el caballero misterioso que aparece de la nada, lleno de fortuna y realizando grandes y misteriosas fiestas es Jay Gatsby. Y Nick Carraway, quien nos va relatando la historia, es su vecino, un agente de bolsa que de pronto se ve inmerso en el mundo de la fastuosidad y misterio del intrigante hombre del momento.

Luhrmann nos invita a revivir esa muy buena historia de Scott Fitzgerald, llena de fiestas increíbles y personajes complejos. Para eso hace un muy buen uso del 3D, que nos hace sentir que estamos entre bailarinas de los años 20 e invitados extasiados que saltan a increíbles piscinas en medio de fiestas descomunales, todo en un marco de música actual reformada y colores excesivamente llamativos. Mucha extravagancia, y uso del grotesco y el bizarro. Mucho de todo eso recuerda por momentos a la gran “Moulin Rouge!” (2001). No falta, en ese marco, un estilo particular de actuación visto en muchos musicales y obras del pasado, es decir, la sobreactuación que bordea el absurdo a lo largo de todo el film. Hasta aquí, entre musicales y todo tipo de fastuosidades y colores, uno podría decir que es una obra de Luhrmann a disfrutar. Y muchos la recordarán así. Pero también hay otras cosas a mencionar. El casting es quizás lo peor del film. Fue pésima la elección de Tobey Maguire y Carey Mulligan. Maguire, con sus caras de tonto contento, su voz y su tono adolescente, le resta muchísimo al film. Mulligan es bellísima, pero no aporta absolutamente nada; tal como la han criticado muchos comentaristas, parece un decorado más en la escenografía. El personaje de Daisy merecía una interpretación mucho más interesante. Di Caprio es un actor excelente, aunque su papel va de la interpretación seria, a la situación casi grotesca que bordea el ridículo (no por su culpa, sino por el tono de actuación que se le exige). Quizás la historia hubiera sido mejor reflejada con un mejor casting y sin el uso tan exacerbado del ridículo en las actuaciones. El film está muy lejos de Moulin Rouge! ; allí, la historia era más simple y más acorde, junto con el contexto general, a la actuación adoptada; los musicales eran excelentes (recordar el tango de Roxanne) y el casting fue perfecto. Pero por suerte está lejos de la olvidable Australia. Los seguidores de Luhrmann la disfrutarán, pero podría haber sido mucho mejor.

Opinión: BUENA.

VIKINGS

Sinopsis

Vikings es una serie de drama histórico creada por Michael Hirst y producida para el canal de televisión por cable estadounidense History. Filmada en Irlanda, la serie está inspirada en la saga épica de rey vikingo Ragnar Lodbrok. Vikings se estrenó el 03 de marzo de 2013. La serie narra las sagas de la banda de hermanos vikingos de Ragnar y su familia, cuando él se levanta para convertirse en el rey de las tribus vikingas. Además de ser un guerrero valiente, Ragnar encarna las tradiciones nórdicas de la devoción a los dioses, la leyenda dice que él era un descendiente directo de Odín, el dios de la guerra y los guerreros (seriesyonkis.com).

Reparto principal

Travis Fimmel como Ragnar

Clive Standen como Rollo

Gabriel Byrne como Haraldson Jarl

Katheryn Winnick como Lagertha

Jessalyn Gilsig como Siggy

George Blagden como Athelstan

Gustaf Skarsgård como Floki

Comentario: Excelente serie del canal History. En ella somos testigos del ascenso al poder y las glorias y pesares del rey vikingo Ragnar Lodbrok. Con el marco de unos paisajes de gran belleza y una recreación de época muy bien lograda (se nota en las casas, poblados, puertos, barcos), la serie muestra con singular crudeza las intrigas políticas y familiares en torno a un soberano que está en sus últimos días (el Conde Haraldson Jarl, encarnado por el gran Gabriel Byrne) y un líder que reclama un lugar prominente entre los suyos y en la historia (Ragnar, interpretado por Travis Fimmel, un descubrimiento). Aunque la historia principal y las tramas secundarias están muy bien logradas, Vikings tiene otros aspectos para destacar. 

Las actuaciones son muy buenas, todo el elenco principal se destaca. Y están muy bien dirigidos: se nota en el ritmo, los tiempos, las miradas… todo está muy bien cuidado recreando las formas de ser de estos personajes que nos resultan lejanos y cercanos a la vez en sus pasiones, miedos y deseos. En cada episodio uno siente más curiosidad por sus ritos y costumbres, y, sobre todo, en sus pasos en Inglaterra. Una serie muy recomendable

Opinión: EXCELENTE

DJANGO DESENCADENADO

  

Ficha: Título: Django desencadenado

Título original: Django Unchained

País: USA

Estreno en USA: 25/12/2012

Productora: The Weinstein Company

Director: Quentin Tarantino

Guión: Quentin Tarantino

Reparto: Jamie Foxx, Kerry Washington, Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz, Samuel L. Jackson, M.C. Gainey, Walton Goggins, Garrett Dillahunt, Dennis Christopher, Gerald McRaney, Laura Cayouette, M.C. Gainey, Don Johnson, Tom Savini, Anthony LaPaglia, RZA, Tom Wopat, James Remar, James Russo, Todd Allen, Jonah Hill

Calificación: No recomendada para menores de 16 años

Sinopsis: Ambientada en los estados del Sur estadounidense dos años antes de estallar la Guerra Civil, DJANGO DESENCADENADO está protagonizada por el actor ganador del Oscar Jamie Foxx en el papel de Django, un esclavo cuyo brutal pasado con sus antiguos dueños le lleva cara a cara con el cazarrecompensas de origen alemán, el Dr. King Schultz (el actor ganador del Oscar Christoph Waltz). Schultz le sigue la pista a los hermanos asesinos Brittle y Django es el único que podrá llevarle hasta ellos. El poco ortodoxo Schultz compra a Django con la promesa de dejarlo en libertad tras capturar a los Brittle – muertos o vivos. Tras la exitosa misión Schultz deja en libertad a Django pero ambos optan por no separarse y seguir el mismo camino. Con la ayuda de Django, Schultz emprende la búsqueda y captura de los delincuentes más buscados del Sur. Según va puliendo sus capacidad como cazador, Django se centra en su única meta: hallar y rescatar a Broomhilda (Kerry Washington), la esposa que le arrebató el tráfico de esclavos muchos años atrás. (Fuente: elseptimoarte.net)

Comentario: Tarantino se sacó el gusto y dirigió un western, al estilo de aquellas películas realizadas por Sergio Leone cuando creó algunos de los más grandes clásicos del género. En realidad, todas sus películas tienen algo de spaghetti western, ambientadas en otros tiempos y lugares. Este film es un homenaje a aquellas películas que Tarantino amó, y creó así una obra que tiene trama, escenarios, fotografía, dirección de cámaras y paisajes exteriores tal como los vemos en las viejas películas de cowboys; junto a sus recursos más comunes (y amados por sus seguidores): extensos diálogos seguidos por momentos de acción violenta, con momentos salidos de un video de música pop.

La película es buena, pero esperaba más. Se trata de una trama más bien simple, en la que un caza recompensas ayuda a un esclavo a recuperar a su mujer, que es esclava en una plantación. Simple. Django, el esclavo (Jamie Foxx) ayudará en unos trabajos al caza recompensas (Cristoph Waltz) que a cambio lo libera de su condición y luego irán por su mujer (Kerry Washington), quién está en manos de un terrateniente esclavista (Leonardo Di Caprio). La película está muy bien filmada, con una fotografía excelente, y algunas escenas de acción muy bien logradas. Lo que a mi entender se destaca en el film es que se hace largo. Tarantino siempre manejó muy bien eso de alternar diálogos tensos y escenas de acción… pero lo que mantiene unida e interesante esa estructura es la trama que está detrás. En esta oportunidad, la trama es demasiado simple, unidireccional, y algunos diálogos y escenas son demasiado largas, rozando lo aburrido. Quizás con una historia un poco más interesante de base, más escenas de acción, o algunas otras historias acompañando podría haberse enriquecido el film. Hace unos años, más allá de la literatura, la gente encontraba buenas historias para entretenerse en el cine; no había muchas oportunidades de ver buenas historias en la tv. Hoy día, hay montones de canales produciendo series de todos los géneros con historias cada vez más desarrolladas, atrapantes, y con escenas de acción de gran producción. Así, se espera ver algo bueno en el cine, y si no lo vimos la tarde anterior en algún canal de tv o internet, mejor. En Django, se hacen demasiado largos los momentos de diálogos y aquellos donde sinceramente no sucede nada interesante, (en los que escuchamos canciones completas…). Más allá de eso, las escenas de acción, que las hay, junto con algunos momentos bien logrados, la salvan de ser una película regular. Jamie Foxx, Kerry Washington y Samuel L. Jackson (como un sirviente del terrateniente esclavista) están muy bien en sus papeles, sobre todo Jackson en una interesante caracterización. Di Caprio, por su parte, apenas cumple, y por momentos no parece haber sido la mejor elección para el papel (en algunos gritos y momentos de supuesta “cólera” nos remite a un adolescente que no genera mucho temor). Una perla del film es la aparición de Franco Nero, en unas escenas, dándole al film otro valor agregado.

En definitiva, la película cumple con su objetivo, aunque podría haber sido mucho mejor.

Opinión: BUENA